La Capilla Sixtina en 3D (hacer "clic" en la imagen)

La Capilla Sixtina es la capilla más famosa del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, la residencia oficial del Papa. Se encuentra a la derecha de la Basílica de San Pedro y originalmente servía como capilla de la fortaleza vaticana. Es famosa por su arquitectura, evocadora del Templo de Salomón del Antiguo Testamento, y su decoración al fresco, obra de los más grandes artistas del Renacimiento, incluyendo a Miguel Ángel, Rafael y Botticelli. Por orden del papa Julio II, Miguel Ángel decoró la bóveda (1.100 m²) entre 1508 y 1512. A Miguel Ángel no le agradó este encargo, y pensó que su trabajo era sólo para satisfacer la necesidad de grandeza del Papa. Sin embargo, hoy la bóveda, y especialmente El Juicio Final, son considerados como los mayores logros de Miguel Ángel en la pintura.

Fue construida entre 1477 y 1480, por orden del papa Sixto IV, de quien toma su nombre, para restaurar la antigua Capilla Magna. Recién terminadas las obras, un grupo de pintores que incluía a Botticelli, Pietro Perugino, Luca Signorelli y Domenico Ghirlandaio pintaron una serie de paneles al fresco sobre la vida de Moisés (a la izquierda del altar, mirando hacia El Juicio Final) y la de Jesucristo (a la derecha del altar), acompañadas por retratos de los Papas en la zona superior y por cortinas pinadas con trampantojo. Las pinturas fueron concluidas en 1482, y el 15 de agosto de 1483, Sixto IV consagró la primera misa celebrada en la capilla a la Asunción de María.

Desde la época de Sixto IV, la capilla ha servido como lugar de diversas actividades papales. Hoy es la sede del cónclave, la reunión en la que los cardenales eligen a un nuevo Papa. WIKIPEDIA

Cuadros de Mamá: "Violín a luz de la vela"

Dedicado a Giovanni.

Cuadros de Mamá: "Casa de Tejeda"

Museo del Prado: Exposición de Juan Bautista Maíno (1581-1649) (del 20-10-2009 al 17-01-2010)

La adoración de los pastores

Vídeo promocional de la exposición en el Museo del Prado: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/juan-bautista-maino1581-1649/videos/

La exposición: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/juan-bautista-maino1581-1649/la-exposicion-maino/

Cuadros de Mamá: "Tipismo canario"

Cuadros de Mamá: "Primavera floreal"

Exposición en el Museo del Prado: "Joaquín Sorolla (1863 - 1923)" (hasta el 6 de septiembre)

El Museo del Prado presenta la mayor y más importante exposición antológica que se ha dedicado nunca a Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923), el pintor español con mayor proyección internacional del siglo XIX. La exposición presenta más de un centenar de pinturas del artista, en un ambicioso recorrido el que se dan cita todas sus grandes obras maestras: La vuelta de la pesca (1894), procedente del Musée d’Orsay de París; Cosiendo la vela (1896), de la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’Pesaro de Venecia; ¡Triste herencia! (1899) de la Colección Bancaja; Sol de la tarde (1903) de la Hispanic Society of America de Nueva York; El fotógrafo Christian Franzen (1903) de la Colección Lorenzana; o Desnudo de Mujer (1902) y El bote blanco. Jávea (1905), ambas de colección particular; ¡Aún dicen que el pescado es caro! (1894) o Chicos en la playa (1909), conservados en el Museo del Prado; El baño del caballo (1909), Paseo a la orilla del mar (1909) o La bata rosa (1916), entre otras, procedentes del Museo Sorolla en Madrid; así como el conjunto de los catorce monumentales paneles de sus Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America y traídos a España por Bancaja en 2007.

FASES de un artista: (PÚBLICO)

- Costumbrista: El primer Sorolla encontró en el folklore un fértil terreno productivo. Bailes populares y patios valencianos ocupan su imaginario.

- Social: El auge de esta temática a finales del siglo XIX empujó a Sorolla a pintar sus celebrados Aún dicen que el pescado es caro (1894) y Triste herencia, que le valieron el reconocimiento internacional.

- Mediterráneo: Sus cuadros de escenas veraniegas en la Malvarrosa son una visión gozosa de la realidad, que se opone al pesimismo de la generación del 98.

- Retratos: Su mujer, Clotilde, sus tres hijos y amigos, como el fotógrafo Christian Franzen, fueron sus modelos más prolijos.

- Paisajes: Sus cuadros más desoladores recrean el patio de su casa, el mar cristalino de Jávea (Alicante) o la costa rocosa de Ibiza.

Sin duda, una magnífica ocasión para conocer la excelencia en el uso de la luz del inagotable y genial pintor impresionista español (más de 2.200 obras catalogadas).

Más información de la exposición en: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/joaquin-sorolla-1863-1923/

Vídeo comentario de la exposición por los comisarios: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/joaquin-sorolla-1863-1923/presentacion-en-video/

Cuadros de mamá: "Luz natural"

Iman Maleki, hiperrealimo iraní

Iman Maleki (Teherán, 1976 - ) es un pintor iraní del hiperrealismo. Desde muy niño sintió la vocación por la pintura; se graduó en la Universidad de Arte de Teherán como diseñador y estudió con el mejor pintor hiperrealista de Irán, Morteza Katouzian, perfeccionando una minuciosa técnica de realismo casi fotográfico. Fue galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman’s Choice” en la II Competición Internacional de Art Renewal Center (ARC). Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. Sus cuadros muestran la sencillez del pueblo iraní y la crudeza de la realidad en que se mueven, con ocasionales toques poéticos y surrealistas. WIKIPEDIA

Con su maestría en el uso de la luz y los colores, Iman Maleki nos enseña en su obra pictórica otra visión distinta del mundo musulmán, mucho más “serena” y enriquecedora de la cultura iraní y, por tanto, lejos de las controversias políticas o religiosas que a todas horas nos invaden desde los medios de comunicación. Iman Maleki nos demuestra, al ver sus cuadros, que la "emoción" que transmite su arte no entiende de fronteras.

Más información en: www.imanmaleki.com


Selección de algunas obras:

A girl by the window

Memory of that house

The Old Album

Wish…

Omens of Hafez

Emigrant

Presentación en vídeo:

Tarsila Do Amaral: exposición en la Fundación Juan March (Madrid)

Desde el 6 febrero hasta el 3 de mayo de 2009, la Fundación Juan March (Madrid), organiza la 1ª exposición individual en España de la artista plástica brasileña Tarsila do Amaral, una de las más destacadas representantes de la pintura en Brasil e introductora de las vanguardias europeas en su país. Más información en la página web de la Fundación Juan March (Madrid): http://www.march.es/index.asp

Tarsila do Amaral (Capivari, 1 de septiembre de 1886 - São Paulo, 17 de enero de 1973) fue la pintora más representativa de la primera fase del movimiento modernista brasileño. Su cuadro Abaporu, de 1928, inaugura el Movimiento Antropofágico en los artistas plásticos del país. Comenzó a aprender pintura en 1917, con Pedro Alexandrino. Más tarde, estudió con George Fischer Elphons. En 1920, viajó a París y frecuentó la Académie Julien, donde recibió la orientación de Émile Renard. En Francia, conoce a Fernand Léger y participa del Salón Oficial de los Artistas Franceses de 1922, desarrollando técnicas influenciadas por el cubismo. De vuelta a Brasil el mismo año, se une la Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade y Oswald de Andrade, formando el llamado Grupo de los Cinco, que defiende las ideas de la Semana de Arte Moderno y se coloca al frente del movimiento modernista en el país.

Se casa con Oswald de Andrade en 1926 y, el mismo año, realiza su primera exposición individual, en la Galeria Percier, en París. A partir de entonces, sus obras adquieren fuertes características primitivistas y nativistas. En 1933, pasa a desarrollar una pintura más conectada a temas sociales, de la cual son ejemplos las telas Operários y Segunda Clase. WIKIPEDIA

La obra pictórica de Tarsila do Amaral es cautivadora. Modernidad y tradición se dan la mano para combinarse con la sencillez de su planteamiento y la fuerte expresividad de su mensaje, que irradia un "color brasileño" difícil de olvidar.

Algunas de sus obras son:

A Família (1925)



Abaporu (1928)



Antropofagia (1929)



EFCB (Estaçao Central do Brasil) (1924)



Morro da Favela (1924)



O Pescador (1925)

O Mamoeiro (1925)

Operários (1923)



Paisagem com Touro (1925)



Sol poente (1929)

Web oficial de Tarsila Do Amaral: http://www.tarsiladoamaral.com.br/index.htm#

Exploración en 3D de "Guernica" (Picasso) por la artista Lena Gieseke

Lena Gieseke, artista estadounidense de origen alemán, ha realizado un montaje tridimensional del cuadro Guernica de Pablo Picasso, donde podemos realizar un recorrido virtual a través del mismo, descubriendo las líneas, formas y colores que lo componen para, finalmente, crear una expresión unitaria de la obra. Fascinante trabajo artístico que nos seduce a modo de rompecabezas.

Enlace de la VERSIÓN en 3D: http://www.lena-gieseke.com/guernica/movie.html

Música: "Nana", de Manuel de Falla, que forma parte de las “Siete canciones populares españolas”, arregladas por Ana Ruth Bermúdez y Rene Izquierdo para violonchelo (Christopher Johns) y guitarra (Matthew Anderson).


Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. La obra llegó finalmente a España en 1981, donde fue primero exhibido en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos. WIKIPEDIA

Más información acerca de la historia y descripción del cuadro: http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_(cuadro)

Cuadros de Mamá: "Campesina"

"Women in art" (500 años de retratos femeninos en el arte pictórico occidental), con la interpretación musical de Yo-Yo Ma:

“Women in art”, nominado como mejor vídeo creativo en los “2007 YouTube Awards”, es una obra digital del estadounidense Philip Scott Johnson, que “retrata” el rostro femenino conforme a los cánones artísticos de la pintura de los últimos 500 años. La música, interpretada por el genial Yo-Yo Ma, se corresponde con la Sarabande de la suite for solo cello nº1 in G major, BWV 1007, de Johann Sebastian Bach.

Yo-Yo Ma es un violonchelista estadounidense de origen chino, considerado de los mejores del mundo. Nació en París (Francia) el 7 de octubre de 1955. A los 4 años de edad estudió violín y viola antes de aprender violonchelo. Comenzó a sobresalir en el mundo de la música desde una edad muy temprana, de forma que comenzó a tocar en público con solamente cinco años. En 1962 su familia se trasladó a Nueva York, donde vive la mayor parte de sus años de formación. A los ocho años aparece en la televisión estadounidense en un concierto dirigido por Leonard Bernstein. Posteriormente, estudió en la Juilliard School of Music con Leonard Rose, antes de entrar a la Universidad de Harvard, donde se licenció en 1976 y, más tarde, se le hizo merecedor de un doctorado honorífico en 1991.

Actualmente, con numerosos premios y distinciones a su espalda, posee un gran reconocimiento y popularidad mundial. Ha grabado numerosos discos y ha estado de gira con muchas de las principales orquestas del mundo. Sus grabaciones de las Suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach han sido especialmente aclamados. También ha tocado música de cámara en numerosas ocasiones, acompañado por el pianista Emanuel Ax, con quien mantiene una buena amistad desde que se conocieron en Juilliard. WIKIPEDIA

Para obtener más información de los cuadros del vídeo y sus autores: http://www.maysstuff.com/womenid.htm

Cuadros de Mamá: "Abstracción"(óleo con pan de oro)

Juan Alberto Díaz, la maestría en la pintura canaria

Juan Alberto Díaz, nacido en Tamaraceite, es un pintor grancanario “hecho a sí mismo” que ha labrado, ya desde sus comienzos más tempranos y a base de constancia y denodado esfuerzo, su pasión por la práctica de la pintura. Hoy en día, goza de la reputación de ser una de las realidades “punta de lanza” más respetadas y admiradas de la actual pintura contemporánea canaria, como así lo corroboran las numerosas exposiciones llevadas a cabo, compaginando su maestría con la enseñanza de la misma.

Desgraciadamente, el dicho de que "nadie es profeta en su tierra" no deja de ser una realidad en la mayoría de las veces, y mi propósito, al redactar este artículo, primeramente era dejar constancia gráfica del "buen hacer" de nuestra gente a quién aún desconoce la obra de este gran artista canario, pero es que, además, personalmente, mi agradecimiento sincero a Juan Alberto es eterno por razones que solo el corazón entiende, por lo que, si estas palabras no fueran suficientes para ejemplificar su trayectoria profesional, un servidor ha solicitado a mi señora madre, una más entre sus alumnas, que expresase sin rubor alguno su opinión sobre el mismo: “Su obra es única, versátil y de un amor inquebrantable por nuestras costumbres canarias más cercanas. Le admiro como el excepcional artista que es, pero como persona es más grande aún si cabe. Gracias de corazón Juan Alberto. Gloria”.

En la dirección web http://www.pintorjuanalbertodiaz.com/ podemos acceder a su página oficial y a una extensa galería con muchos de sus cuadros, pero como botón de muestra sirvan los siguientes ejemplos de su maravilloso arte:


Bodegón con plátanos



Barcas en San Cristóbal



Calas acostadas



La calle del gato



Mañana en Agaete



Nobleza



Patio y jaula



Reflejos en Las Canteras



La Dama del Norte



Romería



Azucenas



La Culata de Tejeda



Bodegón de higos



Rincón de Telde



Almendros



Jofaina



La Dama del Norte II



Enyesque



Señora de Gran Canaria

Cuadros de Mamá: Hadita (dedicado a Oti)

Obras Maestras de las Bellas Artes: "Ophelia" (1851-1852, John Everett Millais)

Sir John Everett Millais (1829-1896), pintor e ilustrador británico, nació en Southampton, en el seno de una prominente familia originaria de la Isla de Jersey. Su prodigioso talento para el arte le valió una plaza en las escuelas de la Royal Academy con sólo once años. Durante su permanencia en esta institución, conoció a William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, con quienes fundó la Hermandad Prerrafaelita en 1848.

En pinturas como Ofelia (1852), Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza. Este procedimiento ha sido descrito como una especie de «ecosistema pictórico».
WIKIPEDIA: es.wikipedia.org/wiki/John_Everett_Millais

Ophelia, personaje trágico y romántico, fue un tema recurrente para la pintura del siglo XIXI. Figura ligada de modo fascinante y peligroso a la vez al elemento acuático, es una de esas ondinas y ninfas, particularmente apreciadas por la pintura simbolista. En una pose patética y distanciada, cubierta de flores, mantenida únicamente por su vestido, Ofelia flota aún sobre la superficie del agua. Millais ha plasmado fielmente el pasaje de Hamlet de Shakespeare que describe su fin.

El estrello arroyo está rodeado de juncos, matorrales y árboles, formando una especie de desfiladero; el largo vestido de Ofelia posee el mismo color que la tierra del suelo y del talud de la orilla. También el agua parece una ciénaga quieta, fundiéndola con una melancolía demoníaca. Las alucinaciones de su locura eufórica le impiden reconocer el peligro de ahogarse. Como describe Shakespeare, canta himnos mientras que la ropa se colma de agua y la atrae hacia el fondo.

Millais ha creado una especie de cofre que acerca al espectador de modo extremo hasta la situación límite de Ofelia. A pesar de una descripción meticulosa de los detalles, consigue dar credibilidad al trágico acontecimiento.
TASCHEN

Personalmente, aún recuerdo la fascinación especial que me produjo la primera vez que tuve ocasión de ver este cuadro, sobrecogiéndome de tal manera que, aún hoy, permanece intacto en mi recuerdo ese sentimiento tan melancólico acerca de lo efímero de nuestras vidas y, además, con un encuadre natural tan maravilloso, que intensificaba su visión poética de forma sublime.

Millais es uno de los pintores ingleses más importantes de la segunda mitad del siglo XIX y Ophelia es una de sus obras maestras.

"En las aguas profundas que acunan las estrellas, blanca y cándida,
Ofelia flota como un gran lirio,
flota tan lentamente,
recostada en sus velos..."
Rimbaud

Cuadros de Mamá: Camino al Roque Nublo

Cuadros de Mamá: "Afrodita"