Recientemente ha fallecido Henryk Mikołaj Górecki (Czernica, 6 de diciembre de 1933 - Katowice, 12 de noviembre de 2010), compositor polaco y una de las figuras más representativas del postmodernismo musical. No estudió música de manera regular hasta llegar a los veinte años de edad, cuando comenzó a estudiar en Katowice. Posteriormente, mientras continuaba sus estudios en París, Górecki tuvo la posibilidad de escuchar trabajos de Anton Webern, Olivier Messiaen y Karlheinz Stockhausen, compositores censurados por el gobierno polaco, por el contenido religioso de sus composiciones. Más tarde, fue nombrado profesor de música en Katowice, pero renunció al cargo a finales de la década de 1970, en protesta por la negativa del gobierno prosoviético de permitir al papa Juan Pablo II que visitase la ciudad. Katowice ha sido uno de los centros de la resistencia polaca contra las agresiones militares alemanas y rusas, por lo que la negativa del gobierno socialista fue vista como un golpe innecesario contra las creencias del pueblo polaco, aunque -en última instancia- contribuyó a la ola de descontento y protestas sociales que finalmente hicieron naufragar a los regímenes prosoviéticos de Europa del Este.
La música de Górecki abarcaba una gran variedad de estilos, pero tendía a ser relativamente simple en armonías. Sus primeros trabajos recuerdan el estilo de Pierre Boulez y otros serialistas. Sus composiciones más recientes suelen ser comparadas con el minimalismo, a veces llamado "minimalismo sacro", como Arvo Pärt, con quien también se le comparaba. Sus trabajos reflejaban con frecuencia sus profundas creencias religiosas católicas.
La obra más popular de Górecki fue su Sinfonía n.º 3, Op. 36, también conocida como Sinfonía de las lamentaciones o Sinfonía de las canciones tristes (Sorrowful Songs, en inglés). Compuesta en Katowice entre octubre y diciembre de 1976, esta obra es representativa de la transición del compositor entre un estilo disonante y otro más tonal. La sinfonía está escrita para orquesta y soprano, que canta un texto polaco distinto en cada uno de los tres movimientos en los que se divide: en el PRIMERO (lento, sostenuto tranquillo ma cantabile), un lamento atribuido a la Virgen María escrito en el siglo XV; en el SEGUNDO (lento e largo, tranquillissimo), un mensaje escrito en la pared de una cárcel de la Gestapo en Zakopane durante la Segunda Guerra Mundial, donde su autora, la niña Helena Błażusiak, pide la intercesión de la Virgen María; en el TERCERO (lento, cantabile-semplice), una canción folclórica sobre una madre que busca a su hijo, asesinado durante la insurrección silesia de 1919. El tema central de la sinfonía es por tanto el de la maternidad y la separación de los seres queridos por culpa de la guerra. WIKIPEDIA
En el siguiente vídeo, la soprano Isabel Bayrakdaraian y la Sinfonietta Cracovia, dirigida por John Axelrod, interpretan, desde Auschwitz, el 2º Movimiento, una de las experiencias musicales más hermosas de nuestra historia contemporánea. Sublime.
Después de una inclemente colonización belga, una terrible dictadura ejercida por Mobetu Sese Seko y las graves consecuencias económicas y sociales de la guerra civil generada por la caída de aquél, la República Democrática del Congo (anteriormente denominado Zaire), país de África central situado en la zona de los grandes lagos, también es tristemente noticia, en la actualidad, por el uso de la violencia sexual de los militares y miembros de la guerrilla como arma de guerra. Y esta realidad, no nos olvidemos, es un fracaso de toda la sociedad mundial.
Sin embargo, también es la patria de uno de los más grandes músicos, hoy en día, del continente africano: Lokua Kanza (Bukavu, 1958- ). Cantante y compositor “afro-pop”, dotado de una voz armoniosa con matices increíbles, que expresa en francés, swahili, lingala, Portugués e Inglés.
La canción que mostramos aquí, Nakozonga, pertenece a su último disco, Nkolo, editado este mismo año 2010. Seducción africana para nuestra alma.
Gustav Mahler (Kaliště, Bohemia, actualmente República Checa, 1860 - Viena, 1911) fue un compositor y director de orquesta bohemio-austriaco, cuya revalorización, al igual que la de Anton Bruckner, fue lenta y se retrasó a causa de su gran originalidad y del auge del nazismo en Alemania y Austria, pues su condición de judío catalogó a su obra como "degenerada" y "moderna". Lo mismo sucedió con otros compositores, caídos en desgracia ante el Tercer Reich. Solo al final de la Segunda Guerra Mundial y por la decidida labor de directores como Bruno Walter, Otto Klemperer y, más tarde, Bernard Haitink o Leonard Bernstein, su música empezó a interpretarse con más frecuencia en el repertorio de las grandes orquestas.
La Sinfonía n.º 5 en do sostenido menor de Gustav Mahler se termina en el otoño de 1902; Mahler irá y volverá sobre ella continuamente hasta el año anterior a su muerte. Es como una continua pelea, como demuestra la ambigüedad trágica expresada en ella. Y, en concreto, el Adagietto (4º movimiento), inmortalizado en la película Muerte en Venecia (1971, Luchino Visconti), adaptación del libro de Thomas Mann, es una excepción en la obra sinfónica del compositor, pues es solo para orquesta de cuerda y arpa, y este criterio de la reducción, de la intimidad frente a la aglomeración, sentó precedentes en la escuela vienesa. Mann escribió el libro en 1911, tras la muerte de Gustav Mahler, basando la figura de su protagonista principal, Gustav von Aschenbach, en la figura del maestro austríaco, del que conservaba su nombre de pila, pero cambiaba su profesión de compositor por la de escritor, que, posteriormente, recuperó Visconti en la película. WIKIPEDIA
En este año 2010 celebramos el 150º aniversariodelnacimiento de Gustav Mahler y, asimismo, en el próximo 2011, también el centenariode sumuerte. Y para sumarnos a esta conmemoración y homenajear al genial compositor, podemos disfrutar en el siguiente vídeo del desgarrador Adagietto (4º movimiento) de la Quinta Sinfonía a cargo de la Orquesta Mundial por la Paz, bajo la dirección del maestro ruso Valery Gergiev, en el marco del festival de verano Proms BBC (Royal Albert Hall, Londres, 5 de agosto de 2010). Un recorrido dual por los claroscuros de nuestra propia existencia, donde el compositor declara de forma melancólica su amor a su esposa Alma.
Con la supervisión musical de Robbie Robertson (fundador, guitarrista y principal compositor de The Band), Martin Scorsese utilizó para la película Shutter Island (2010) una banda sonora compuesta por obras clásicas contemporáneas (György Ligeti, Krzysztof Penderecki, John Cage, Max Richter…), además de una selección de canciones de artistas como Brian Eno, Johnnie Ray o Dinah Washington.
En este sentido, el siguiente vídeo se corresponde con la última pieza musical de la película, recreación sonora resultante de la combinación de On the nature of daylight, una composición del germano-británico Max Richter (1966-), con la canción This bitter earth y la voz de la cantante estadounidense Dinah Washington (1924-1963), una de las principales voces femeninas de la música negra.
Como la propia letra de esta canción nos recuerda: la vida puede ser el polvo que oculta el brillo de una rosa… , y es que de qué sirve el amor si no se comparte. Apto para viajeros adictos al descubrimiento de nuevos placeres.
Letra:
This bitter earth Well, what fruit it bears What good is love Mmmm that no one shares And if my life is like the dust Oooh that hides the glow of a rose What good am I Heaven only knows
Lord, this bitter earth Yes, can be so cold Today you're young Too soon, you're old But while a voice within me cries I'm sure someone may answer my call And this bitter earth Ooooo may not Oh be so bitter after all
A mediados de los años noventa, el compositor, DJ y productor británico Nick Bracegirdle (1971), creó un proyecto de música electrónica, Chicane, que se convirtió en uno de los referentes de la "música trance" y "chill out".
Y ejemplo de ello es el siguiente vídeo, donde Chicane nos presenta su single Poppiholla, nueva “versión más dance” del Hoppipolla del grupo musical islandés de culto Sigur Ros.
James Vernon Taylor (12 de marzo de 1948, Boston, Massachusetts) es un cantante estadounidense, compositor y guitarrista, que creció en Carrboro (Carolina del Norte). Cinco veces ganador del premio Grammy, accedió al Salón de la Fama del Rock & Roll en el año 2000. En 1970 logró un impulso a su carrera musical con el single Fire and Rain y, al año siguiente, obtuvo su primer éxito discográfico (hit) con You've Got a Friend. En 1976, su álbum Greatest Hits fue certificado como disco de Diamante tras venderse 12 millones de copias del mismo en USA. Durante este tiempo ha conservado el cariño del gran público, aunque sus logros comerciales disminuyen ligeramente para resurgir nuevamente a finales de los noventa y dos mil, cuando algunos de sus más vendidos y premiados álbumes (Hourglass, October Road y Covers) son reeditados. WIKIPEDIA
Sin lugar a dudas, muchas de las canciones de James Taylor forman parte de la banda sonora de nuestras vidas y ocupan un lugar destacado en la memoria musical colectiva de varias generaciones. En esta ocasión, presentamos dos canciones pertenecientes al disco Live at Troubadour, grabado en el histórico Club Troubador (Los Angeles) con motivo del reencuentro musical de James Taylor junto a Carole King después de cuatro décadas, y que recoge los mejores éxitos de la pareja folk, iconos de la música popular de USA, a principios de los años setenta, con sus canciones testimoniales. Un ataque directo a los vericuetos de nuestro corazón.
En este primer vídeo tendremos ocasión de disfrutar del clásico You’ve Got a Friend, una canción original de Carole King:
La segunda canción, correspondiente al siguiente vídeo, es Blossom, escrita por James Taylor:
Letra:
Blossom, smile some sunshine down my way
Lately, i've been lonesome Blossom, it's been much too long a day Seems my dreams have frozen Melt my cares away
Send the sunshine down my way whenever you call my name I know what you mean to say to me, girl, it's all the same
Blossom, there's any empty road behind Sit you down beside me Blossom, there's a sweet dream on my mind There's a song inside me Take these chains away
Now, send the sunshine down my way whenever you call my name I know what you mean to say to me, girl, it's all the same
Blossom, smile some sunshine down my way Lately, i've been lonesome Blossom, it's been much too long a day Seems my dreams have frozen Melt my cares away
Keith Jarrett, nacido el 8 de mayo de 1945 en Allentown (Pennsylvania, Estados Unidos), es un icono actual del jazz estadounidense y mundial de vanguardia. Compositor y pianista, ha actuado junto a Miles Davis, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette, entre otros. Sin embargo, su producción más sobresaliente lo constituyen una serie de piezas, interpretadas como solista, improvisadas y grabadas en directo en Colonia, París, Londres, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades.
Músico virtuoso y versátil, capaz de tocar la guitarra, el saxo y la flauta, también ha interpretado piezas para piano clásico, clavicordio, clavecín y órgano, grabando varios discos de “música clásica” (Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Mozart o Shostakóvich).
Sus improvisaciones, donde además canturrea o vocaliza de forma expresiva, recurren no solamente a las tradiciones del jazz, sino de otros géneros, especialmente la música clásica occidental, el gospel, el blues y la música folk étnica. En 2008 ingresó en el Salón de la Fama del Jazz en la encuesta anual de los lectores de la revista especializada Down Beat. WIKIPEDIA
El archivo de música que mostramos a continuación pertenece a la grabación realizada en el Royal Festival Hall (Londres), con ocasión del concierto realizado por Jarrett el 1 de diciembre de 2008, y se titula Part VIII que, a su vez, está integrado en el álbum: Paris-London: Testament, triple disco editado por el sello alemán ECM, que recoge las improvisaciones del pianista estadounidense en los conciertos de la Salle Pleyel de París (26 de noviembre de 2008) y, cinco días más tarde, en Londres.
En el folleto adjunto al trabajo discográfico, el propio Jarrett nos informaba sobre su reciente separación, tras treinta años de matrimonio, con Rose Anne, y sobre sus angustias vitales y problemas de salud añadidos, que se traducían en las lágrimas que derramó ante un público que desconocía la fragilidad de su alma, pero que resiste y lucha por sobrevivir porque, como él mismo cuenta, “el centro de su vida es la música”, que nosotros, además, tenemos el privilegio de gozar de manera intemporal y eterna, como el “legado” al que parece hacer alusión el mismo título del trabajo discográfico.
Después de 35 años desde la grabación de The Koln Concert (1975), una de las obras más amadas en la historia del jazz, el “poeta” Keith Jarrett nos regala una obra maestra en la plenitud de su carrera y de su experiencia vital, donde la música fluye por sí sola y nos transporta a un lugar sólo accesible a los que todavía ansiamos soñar y celebrar la vida. Dedicado a los que siguen “caminando”.
Benjamin Zander (1939, Buckinghamshire, Inglaterra), director de orquesta estadounidense de origen británico, ejerce desde 1979 la conducción musical de la Orquesta Filarmónica de Boston, con la que ha obtenido excelentes críticas en las grabaciones de obras de Stravinsky, Beethoven, Mahler, Shostakovich y Ravel.Miembro del profesorado en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, desde el año 2006 Zander inicia su colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres con la grabación de una serie de sinfonías de Beethoven y Mahler para el sello Telarc, donde se incluye adicionalmente un disco para explicar la música. Su extenso repertorio pone especial énfasis en las composiciones del “romántico tardío” y principios del siglo XX, aunque es especialmente reconocido por sus interpretaciones de las obras de Gustav Mahler y por brindar populares conferencias ilustrativas antes de sus conciertos. WIKIPEDIA
En el siguiente vídeo, con ocasión de la Conferencia anual de Tecnología, Entretenimiento y Diseño (TED) en Monterey (California, 2008), Benjamin Zander nos ayuda a comprender y sentir la emoción que puede transmitirnos la audición de la “música clásica” y, del mismo modo, nos enseña también a descubrir el “brillo” de nuestros ojos…
Liebestod (del alemán "Muerte de amor"), es el término acuñado para describir el aria final del drama musical Tristán e Isolda de Richard Wagner. Musicalmente, señala una de las cumbres del romanticismo tardío, donde la tonalidad es llevada al límite. En el trágico final de la ópera, la heroína Isolda se transfigura hacia otra dimensión "muriendo de amor" frente al cuerpo exánime de su amado Tristán. WIKIPEDIA
Prats es un pianista cubano con pasaporte español, aclamado como prodiigio del piano a los 54 años, y dotado de una técnica increíble sobre el teclado, que él mismo llama su orquesta de ochenta y tantas teclas. Virtuosismo para sentir la belleza de la música.
Rosa Cedrón es una cantante gallega e intérprete de violoncello, conocida por ser la voz durante nueve años en el grupo Luar na Lubre, así como en colaborar en discos de músicos con Mike Oldfield.
Nació en Monforte de Lemos (Lugo) el 25 de octubre de 1972, y enseguida se mudaría a la ciudad de La Coruña. Su vocación ya desde niña fue el violoncello, y perteneció a la Orquesta de Cámara Municipal de A Coruña. Más tarde fue profesora de música en Ferrol.
Comenzó a colaborar con Luar na Lubre, inicialmente como cellista, pero acabó siendo también vocalista, hecho que observaría el conocido músico Mike Oldfield invitándola a participar en la grabación de Tubular Bells III, algo que incrementó la popularidad y el éxito de este grupo de música folk.
Con Luar na Lubre, Rosa desarrolló un amplio labor durante 9 años: actuó en los mejores escenarios, grabó varios discos y recogió premios de reconocimiento a su música. En el año 2005 deja el grupo y a partir de ese momento se dedica a su carrera en solitario y publica su primer disco en solitario: Entre dous mares en 2007. WIKIPEDIA
Letra:
Tiema luz de porcelana
tres estrellas en tu almohada y la miel y la miel de tu mirada
El misterio de tus manos es aquel que el cielo extraña y lo que el viento lo que viento quiere ser
Nace un mundo cuando hablas caen las hojas cuando callas y en tus ojos vive un dios La belleza está grabada en tu espalda y en tus alas Si caminas arde el mar... arde el mar
Llueve plata cálida sobre el rio que bendices y al llorar crece un árbol de cristal Cuelga el cielo de tus pies y yo te enseñaré a caer se tu me invitas tú me invitas a volar
Nace un mundo cuando hablas caen las hojas cuando callas y en tus ojos vive un dios La belleza está grabada en tu espalda y en tus alas Si caminas arde el mar... arde el mar
El australiano Nick Cave y el inglés Warren Ellis, que han trabajado juntos anteriormente como The Bad Seeds, Grinderman y The Dirty Three, también han participado últimamente en la composición de bandas sonoras para documentales (The English surgeon,2007) y películas (The Proposition, 2005; The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, 2007; o The Road, 2009).
En este sentido, la canción que presentamos en el siguiente vídeo, Sorya Market, pertenece a la partitura del documental titulado The girls of Phnom Penh (2009, Matthew Watson), un retrato íntimo de tres jóvenes en la industria del sexo en Camboya, que luchan contra la degradación de su desgarrada existencia. Esta banda sonora se encuentra integrada en el doble disco recopilatorio titulado White Lunar (2009), donde se recoge, además de las obras anteriormente reseñadas, una selección del trabajo discográfico de Nick Cave y Warren Ellis para la gran pantalla, y materiales raros o no disponibles hasta ahora.
Las texturas atmosféricas de White Lunar nos permiten viajar de forma introspectiva y buscar en nuestra conciencia un “lugar” que sirva de cobijo a nuestras sensaciones más íntimas… Una oportunidad para llenar nuestro espíritu y sentir el latido de la vida sin prisas. Una maravilla.
Kathryn Dawn Lang, nacida el 2 de noviembre de 1961, y más conocida como k.d. lang (sin mayúsculas), es una compositora y cantante canadiense que saltó a la fama por sus melodías country y pop, y la revelación de su homosexualidad. Ganadora de cuatro premios Grammy, y con una extensa carrera musical y varios discos a su espalda, también se ha asociado con músicos tan dispares como Roy Orbison, Tony Bennett, Anne Murray, Prince, Björk, Annie Lennox o Elvis Costello.
En 1996 fue nombrada Oficial de la Orden de Canadá como reconocimiento a su trabajo. Embajadora de la “comunidad gay”, vegetariana y defensora de los derechos de los animales, también se ha destacado como activista en favor de los derechos humanos en el Tíbet.
En el siguiente vídeo k.d. lang interpreta Hallelujah, pieza escrita por el cantautor canadiense Leonard Cohen, y publicada originalmente en su álbum de estudio Various Positions (1984). Paradójicamente, a pesar de que en un primer momento la canción no tuvo el éxito esperado, en los últimos años son numerosas las versiones realizadas por una amplia gama de artistas (John Cale, Jeff Buckley, Rufus Wainwright, etc.), tanto en grabaciones como en conciertos, hasta el punto de convertirse en la canción de Cohen más versionada. WIKIPEDIA
Una estupenda voz para una canción inolvidable, que Lang ya interpretó en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010 en Vancouver (Canadá).
Durante la década de los cuarenta, The Ross Sisters, cuyos verdaderos nombres eran Veda Victoria, Dixie Jewel Ann y Betsy Ross, destacaron como un trío de cantantes-bailarinas que acompasaban sus actuaciones con coreografías acrobáticas y contorsionistas de gran elasticidad.
En el siguiente vídeo, correspondiente a la comedia musical Broadway Rhythm (1944), las “hermanas de goma” dejan constancia de sus increíbles habilidades... Gracias Antonia.
El pasado lunes se cumplió el bicentenario del nacimiento del afamado compositor y pianista polaco Frédéric F. Chopin (Żelazowa Wola, Polonia, 1 de marzo de 1810 - París, 17 de octubre de 1849). Su perfección técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de J.S. Bach, W.A. Mozart y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro.
Y esta conmemoración nos brinda la oportunidad de disfrutar del magnífico pianista chino Li Yundi, más conocido popularmente por la inversión de su nombre: Yundi Li, que nació el 7 de octubre de 1982 en Chongqing, y ha sido el intérprete más joven en ganar el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia, concretamente a la edad de 18 años en el año 2000.
Chopin creó hasta veintiún nocturnos para piano en su corta trayectoria vital. Los tres primeros nocturnos se encuadran en el Op. 9 y Chopin los compuso entre 1830 y 1831, dedicándolos a la memoria de Camile Pleyed, que le proporcionó pianos desde su empresa de fabricación de los mismos. WIKIPEDIA
En esta ocasión, el siguiente vídeo se corresponde con la sentida interpretación que Yundi Li nos brinda del Nocturno Op. 9 nº 2 en mi bemol mayor, donde el alma romántica de Chopin revive para emocionarnos una vez más. !Feliz cumpleaños¡.
Corinne Bailey Rae es una cantante y compositora inglesa que publicó su álbum debut homónimo Corinne Bailey Rae en febrero de 2006, siendo el mayor éxito del año según la lista de críticos de música inglesa de la BBC, y además siendo la cuarta cantante británica en llegar con su álbum debut al número uno.
En 2008 falleció su marido por causas no confirmadas, tras lo que se tomó un breve periodo sabático, para volver a finales de 2009 con la publicación del sencillo I'd Do It All Again, adelanto del segundo álbum, The Sea que salió a la venta a principios de febrero de este mismo año. WIKIPEDIA
En el siguiente vídeo Corinne interpreta en directo este single presentación "acústica" de su nuevo disco, que la propia cantante considera que posee una "lírica encantadora y descriptiva a la par que sincera, abierta y profundamente evocadora de su experiencia personal". Soul elegante y melancólico para emocionarnos lentamente.
Este año 2010 se cumplen 100 años del nacimiento del insigne poeta y dramaturgo Miguel Hernández Gilabert (Orihuela, 12 de octubre de 1910 - Alicante, 28 de marzo de 1942), y para conmemorar esta relevante cirscunstancia Joan Manuel Serrat publica un segundo álbum con versiones musicadas de poemas de aquél: Hijo de la luz y de la sombra (Sony/BMG), con colaboraciones de Joan Albert Amargós y Miguel Poveda.
Y es que, como Pablo Neruda nos dice: “Recordar a Miguel Hernández que desapareció en la oscuridad y recordarlo a plena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra. No tenía Miguel la luz cenital del Sur como los poetas rectilíneos de Andalucía sino una luz de tierra, de mañana pedregosa, luz espesa de panal despertando. Con esta materia dura como el oro, viva como la sangre, trazó su poesía duradera. ¡Y éste fue el hombre que aquel momento de España desterró a la sombra! ¡Nos toca ahora y siempre sacarlo de su cárcel mortal, iluminarlo con su valentía y su martirio, enseñarlo como ejemplo de corazón purísimo! ¡Darle la luz! ¡Dársela a golpes de recuerdo, a paletadas de claridad que lo revelen, arcángel de una gloria terrestre que cayó en la noche armado con la espada de la luz!”.
En el siguiente vídeo podemos disfrutar de un avance de la canción/poema tríptico que da título al propio álbum, Hijo de la luz y de la sombra, que otro poeta, Serrat, transforma para celebrar el milagro de la vida. Dedicado a mi chaparrita.
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HIJO DE LA LUZ Y LA SOMBRA
I
(Hijo de la sombra)
Eres la noche, esposa: la noche en el instante mayor de su potencia lunar y femenina. Eres la medianoche: la sombra culminante donde culmina el sueño, donde el amor culmina.
Forjado por el día, mi corazón que quema lleva su gran pisada del sol adonde quieres, con un sólido impulso, con una luz suprema, cumbre de las montañas y los atardeceres.
Daré sobre tu cuerpo cuando la noche arroje su avaricioso anhelo de imán y poderío. Un astral sentimiento febril me sobrecoge, incendia mi osamenta con un escalofrío.
El aire de la noche desordena tus pechos, y desordena y vuelca los cuerpos con su choque. Como una tempestad de enloquecidos lechos, eclipsa las parejas, las hace un solo bloque.
La noche se ha encendido como una sorda hoguera de llamas minerales y oscuras embestidas. Y alrededor la sombra late como si fuera las almas de los pozos y el vino difundidas.
Ya la sombra es el nido cerrado, incandescente, la visible ceguera puesta sobre quien ama; ya provoca el abrazo cerrado, ciegamente, ya recoge en sus cuevas cuanto la luz derrama.
La sombra pide, exige seres que se entrelacen, besos que la constelen de relámpagos largos, bocas embravecidas, batidas, que atenacen, arrullos que hagan música de sus mudos letargos.
Pide que nos echemos tú y yo sobre la manta, tú y yo sobre la luna, tú y yo sobre la vida. Pide que tú y yo ardamos fundiendo en la garganta, con todo el firmamento, la tierra estremecida.
El hijo está en la sombra que acumula luceros, amor, tuétano, luna, claras oscuridades. Brota de sus perezas y de sus agujeros, y de sus solitarias y apagadas ciudades.
El hijo está en la sombra: de la sombra ha surtido, y a su origen infunden los astros una siembra, un zumo lácteo, un flujo de cálido latido, que ha de obligar sus huesos al sueño y a la hembra.
Moviendo está la sombra sus fuerzas siderales, tendiendo está la sombra su constelada umbría, volcando las parejas y haciéndolas nupciales. Tú eres la noche, esposa. Yo soy el mediodía.
II
(Hijo de la luz)
Tú eres el alba, esposa: la principal penumbra, recibes entornadas las horas de tu frente. Decidido al fulgor, pero entornado, alumbra tu cuerpo. Tus entrañas forjan el sol naciente.
Centro de claridades, la gran hora te espera en el umbral de un fuego que al fuego mismo abrasa: te espero yo, inclinado como el trigo a la era, colocando en el centro de la luz nuestra casa.
La noche desprendida de los pozos oscuros, se sumerge en los pozos donde ha echado raíces. Y tú te abres al parto luminoso, entre muros que se rasgan contigo como pétreas matrices.
La gran hora del parto, la más rotunda hora: estallan los relojes sintiendo tu alarido, se abren todas las puertas del mundo, de la aurora, y el sol nace en tu vientre, donde encontró su nido.
El hijo fue primero sombra y ropa cosida por tu corazón hondo desde tus hondas manos. Con sombras y con ropas anticipó su vida, con sombras y con ropas de gérmenes humanos.
Las sombras y las ropas sin población, desiertas, se han poblado de un niño sonoro, un movimiento, que en nuestra casa pone de par en par las puertas, Y ocupa en ella a gritos el luminoso asiento.
¡Ay, la vida: qué hermoso penar tan moribundo! Sombras y ropas trajo la del hijo que nombras. Sombras y ropas llevan los hombres por el mundo. Y todos dejan siempre sombras: ropas y sombras.
Hijo del alba eres, hijo del mediodía. Y ha de quedar de ti luces en todo impuestas, mientras tu madre y yo vamos a la agonía, dormidos y despiertos con el amor a cuestas.
Hablo, y el corazón me sale en el aliento. Si no hablara lo mucho que quiero me ahogaría. Con espliego y resinas perfumo tu aposento. Tú eres el alba, esposa. Yo soy el mediodía.
III
(Hijo de la luz y la sombra)
Tejidos en el alba, grabados, dos panales no pueden detener la miel en los pezones. Tus pechos en el alba: maternos manantiales, luchan y se atropellan con blancas efusiones.
Se han desbordado, esposa, lunarmente tus venas, hasta inundar la casa que tu sabor rezuma. Y es como si brotaras de un pueblo de colmenas, tú toda una colmena de leche con espuma.
Es como si tu sangre fuera dulzura toda, laboriosas abejas filtradas por tus poros. Oigo un clamor de leche, de inundación, de boda junto a ti, recorrida por caudales sonoros.
Caudalosa mujer: en tu vientre me entierro. Tu caudaloso vientre será mi sepultura. Si quemaran mis huesos con la llama del hierro, verían que grabada llevo allí tu figura.
Para siempre fundidos en el hijo quedamos: fundidos como anhelan nuestras ansias voraces: en un ramo de tiempo, de sangre, los dos ramos, en un haz de caricias, de pelo, los dos haces.
Los muertos, con un fuego congelado que abrasa, laten junto a los vivos de una manera terca. Viene a ocupar el hijo los campos y la casa que tú y yo abandonamos quedándonos muy cerca.
Haremos de este hijo generador sustento, y hará de nuestra carne materia decisiva donde asienten su alma, las manos y el aliento, las hélices circulen, la agricultura viva.
Él hará que esta vida no caiga derribada, pedazo desprendido de nuestros dos pedazos, que de nuestras dos bocas hará una sola espada y dos brazos eternos de nuestros cuatro brazos.
No te quiero en ti sola: te quiero en tu ascendencia y en cuanto de tu vientre descenderá mañana. Porque la especie humana me han dado por herencia, la familia del hijo será la especie humana.
Con el amor a cuestas, dormidos y despiertos, seguiremos besándonos en el hijo profundo. Besándonos tú y yo se besan nuestros muertos, se besan los primeros pobladores del mundo.
Vertical Tango, conjunto formado por los bailarines-acróbatas Sandra Feusi (Suiza) y Sam Payne (USA), que anteriormente ya habían trabajado en el Cirque du Soleil, nos demuestran en el siguiente vídeo que existen otras maneras de sentir el tango “sin tocar el suelo”. Si Carlos Gardel levanta la cabeza… Gracias Antonia.
Arkadi Arkádievich Volodós (Leningrado, 24 de febrero de 1972) es un pianista ruso, reconocido por su técnica y su destreza en la interpretación del repertorio virtuosístico, como el de Rachmaninov, Liszt y sus transcripciones de grabaciones del legendario Vladímir Horowitz.
Su primera aproximación a la música fue a través del canto, siguiendo el ejemplo de sus padres, también cantantes, aunque poco a poco evolucionó hacia la dirección, mientras era estudiante del colegio Capilla M. Glinka en el Conservatorio de San Petersburgo. Aunque tocó el piano desde los ocho años, no se dedicó seriamente a este instrumento hasta 1987 en el conservatorio de su ciudad con Leonid Sintsev. Realizó la carrera de piano en el Conservatorio de Moscú con Galina Yegiazarov. También estudió en el Conservatorio de París con Jacques Rouvier y, por último, en Madrid, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Dmitri Bashkírov. Pese a la brevedad de sus estudios formales, Volodós se ha catapultado rápidamente a la elite de los pianistas internacionales más importantes. WIKIPEDIA
Sin ninguna duda Arcadi Volodos ocupa un lugar puntero en el universo pianístico actual, destacando por su brillante técnica, su capacidad expresiva y su increíble creatividad, una de sus señas de identidad que, por otra parte, hoy en día pocos intérpretes clásicos ejercitan . En este sentido, Volodos entiende que un intérprete con talento "nunca toca una obra de la misma manera, porque la música es algo vivo e irrepetible". Y para muestra un botón con la Rapsodia húngara número 13de Liszt ytranscripción del propio Volodos:
Y por si hubiera alguna duda más… también podemos disfrutar aquí de las Variaciones sobre la “Marcha nupcial” de F. Mendelssohn (El sueño de una noche de verano, op. 61),F. Liszt y V. Horowitz:
